27 may. 2014

REGLAS COMPOSITIVAS EN LA FOTOGRAFÍA

Obtener una buena fotografía no es obra de la casualidad, si bien hoy en día las posibilidades son mucho más accesibles debido a la fotografía digital sin embargo realizar un buen trabajo comprende realizar un estudio previo teniendo en cuenta todo aquello que entra en juego en la composición. Por eso quiero destacar como primer punto a tener en cuenta el mensaje que quiero transmitir, no olvidar que, como todo medio de comunicación requiere tener en claro ese objetivo a lograr.
Además propongo considerar que la foto sea siempre sugerente, deje un margen de interpretación y participación al espectador quien será al fin y al cabo el que realmente juzgue la obra desde su mirada. 

1. Identificar el centro de interés.
Cada fotografía tiene (o debería tener) un centro de interés. ¿De qué se trata la foto? ¿Es una fotografía de tu amigo? ¿Es una fotografía de un edificio? Debería ser obvio para cualquiera que mire una fotografía saber de qué es la foto. Es lo que se denomina el centro de interés del mensaje.
Aunque se denomine centro, el centro de interés no tiene que ser necesariamente el objeto que esté en en el centro de la foto ni ser el objeto que ocupa la mayor parte de la imagen.


2. Rellenar el encuadre.

Esta regla puede parecer bastante obvia, pero lo cierto es que muchas veces fallamos al aplicarla. Si queremos contar algo en una foto, lo conveniente es provocar con el motivo la mayor atención del espectador, ocupemos la mayor parte con ese "algo", asegurándonos que se convierte de este modo en el centro de atención de la imagen. Además, de este modo eliminamos interferencia posible asegurándonos que no haya elementos que resten interés a la obra. Es un error muy común el quere que aparezcan demasiadas cosas en una foto. Si no respetamos esto al final, lo que conseguimos es que no quede demasiado claro qué es lo que queríamos mostrar. Ante la duda de si algo debe salir o no en la foto, la sugerencia es no ponerlo.



3. Considerar las líneas.
Las líneas son un elemento de importancia mayor en las artes visuales. Nos aportan formas y contornos, con las líneas dirigimos la mirada del espectador de una parte de la foto a otra.
Las líneas son uno de los elementos más eficaces a la hora de dirigir la mirada de quien contempla nuestras fotos hacia donde queremos que mire. Las líneas horizontales, verticales y diagonales son elementos compositivos que aportan significado a las imágenes. Un tipo especial de líneas son las convergentes, son las líneas  que, por el efecto de la distancia, acaban uniéndose en un mismo punto, por consiguiente son muy sugerentes a la hora de insinuar algo.



4. Trabajar el flujo.
Después de las líneas, podemos tratar el flujo. El flujo es el modo en el que la mirada del espectador se desplaza de una parte de la fotografía a otra. Una manera de definirlo  es mediante el uso de las direcciones. A veces el flujo es creado por las líneas y puede resultar nítido y claro,  de un recorrido lento en la fotografía, y otras veces es brusco generando puntos diversos de atracción, como los laterales de un edificio que convergen hacia el cielo, o pueden ser menos obvias. Ayudan a que la mirada del espectador debería ser capaz de realizar un recorrido total de la foto sin interrupciones.

El flujo crea la ilusión de movimiento (o ausencia de movimiento si se desea). Las líneas diagonales se consideran generalmente más "dinámicas", mientras que las líneas horizontales y verticales se consideran más "estáticas". Un equilibrio cuidadoso de elementos estáticos y dinámicos dará un sentido global de movimiento a tus fotografías.
5. Considerar una dirección de recorrido.
La dirección es similar al flujo. También generar la ilusión de movimiento es de gran atractivo en una fotografía, si hay algo en la fotografía que parezca estar en movimiento, tiene una dirección en la que se mueve.



Un ejemplo de esto son las luces de peatones de un semáforo. Cuando está en rojo para los peatones, la figura representa un peatón inmóvil, con las piernas juntas y los brazos bajados. Visualmente, no tiene ninguna apariencia de estar en movimiento. Sin embargo, la figura del peatón en verde que permite cruzar tiene una dirección en la cual se está moviendo. La dirección en fotografía se puede crear de muchas maneras. Una figura a punto de cruzar una calle puede transmitir movimiento aunque la veamos estática y no se muevan sus brazos y sus pies, porque podemos imaginarla un segundo después cruzando la calle o como en este caso si observamos cualquiera de las patinadoras por separado, también podemos imaginar su continuidad en el movimiento, pero como contrapartida quise poner esta foto de encuentro entre las dos para darnos cuenta que en este caso el movimiento queda anulado por enfrentarse en nuestra imaginación.



6. Los elementos repetidos.

La repetición de algún elemento (unos globos, unos pájaros), da un sentido de relación de distintas partes de una imagen. Por ejemplo, una bandada de pájaros pueden estar moviendose en grupo por el cielo, definiendo formas interesantes y añadiendo información sobre la dirección en la fotografía. En algunas ocasiones puede aportar factores de análisis psicológicos, como el sentido de la unión y el compañerismo. Observemos estos lápices de colores como generan una idea en este sentido.

7. Los colores siempre nos dicen algo.
La relación de los colores entre sí puede generar diferentes sensaciones en el espectador. No olvidemos que los colores se modifican en su percepción por la cercanía que haya entre ellos. Podemos realizar una composición teniendo en cuenta los colores armónicos para proponer una continuidad cromática al tono o generar contraste por complementarios para destacar algún color. Además se pueden utilizar diferentes gamas cromáticas o elegir trabajar con colores cálidos y fríos. Los rojos, naranjas y amarillos forman parte de la gama de colores cálidos. Los azules, verdes y violetas forman parte de la gama de colores fríos.



Existen muchos elementos psicológicos y emocionales ligados a los colores. Por poner un ejemplo, los azules se consideran colores tranquilos, mientras que lo rojos son más temperamentales. Existe mucha literatura al respecto de la psicología del color, por lo simplemente resumiremos que el color tiene una importancia determinante en la composición.
En materia de colores hay que prestar atención también al contraste. El contraste se define como la diferencia de luminosidad entre las partes más claras y más oscuras de nuestra foto.


8. El interés de los grupos de tres

Parece existir una percepción especial de los números impares en la fotografía, y en especial de los grupos de tres elementos. Un único elemento puede transmitir soledad o aislamiento, con dos elementos una foto puede quedar demasiado bien equilibrada y estática, y cuatro elementos pueden resultar demasiados para distribuir.
Por algún motivo desconocido, a las personas nos gusta el número 3. En fotografía suele funcionar la agrupación de tres elementos como centro de interés.

9. La regla de los tercios en el espacio compositivo.
Si nos fijamos en obras de arte en cualquier museo, podremos comprobar que si dividimos un cuadro en cuadrículas de igual tamaño de 3x3, las cuatro intersecciones de las cuadrículas dentro del cuadro es muy probable que destaquen los puntos de interés.
Trazando esta cuadrícula imaginaria sobre la mayoría de las obras nos daremos cuenta de que elementos fundamentales del cuadro recaen sobre esas intersecciones: ventanas y puertas, ojos, líneas de horizonte, picos de montañas, ... Está comprobado que llevando nuestro punto de interés a uno de esos cuatro puntos conseguimos una imagen mucho más interesante. Existen cámaras que permiten visualizar en su LCD una rejilla (grid en inglés) para trabajar con los tercios,  puede ayudar a la hora de mejorar la composición el tener esto muy en cuenta.


10. El espacio negativo en el encuadre.
Se considera espacio negativo a los grandes espacios vacíos, normalmente en blanco o negro, dentro de una fotografía y por lo general a un lado. (peso visual)
El alejamiento del elemento central de la imagen, rellenando el resto de la foto de un espacio vacío nos permite transmitir una información adicional de soledad, aislamiento o calma a la imagen.
Aunque no es un recurso que vayamos a utilizar habitualmente, no está de más conocerlo. Está enfrentada a la regla de composición consistente en rellenar el encuadre comentada más arriba en este mismo artículo.


11. Relación figura - fondo.
El contenido de la figura y del fondo en una foto es de gran importancia para la composición debido a la diversidad de relaciones que existen. Tanto en el fondo como en la figura tienen aplicación otros elementos compositivos como los colores, las líneas, los planos, las texturas, etc.
Lo importante en la figura y en el fondo es que no haya demasiados detalles que puedan distraer la vista del espectador del centro de interés o confundir como en el caso de estos dos ejemplos cual es la figura y cual el fondo.

      

La mejor herramienta con la que contamos para marcar la diferencia entre la figura y el fondo de nuestras fotos es la profundidad de campo. Gracias a la apertura del diafragma que utilicemos a la hora de hacer fotografías, conseguiremos mayor o menor nitidez en el fondo.



12. El enmarcado.
Existen elementos que pueden ayudar a poner un marco al centro de interés de la foto. Algunos de estos elementos son muy claros, tapando completamente parte de la foto, como puertas, ventanas o puentes. Otros actúan de una forma menos clara, simplemente orientando nuestra vista. Es el caso de las señales de tráfico o las ramas de los árboles, ...
Cualquier elemento que "encierre" el centro de interés nos permitirá enmarcar la foto, dirigiendo la atención hacia el elemento deseado.






13. Las curvas en S
Las curvas en "S" son un elemento muy recurrente en fotografía. Está relacionado con la sensualidad. También transmiten moviento y ayudan a conducir la mirada.
En la vida cotidiana encontramos muchos recursos que nos permiten aplicar curvas en "S" en nuestras fotografías. Una carretera, un camino, el curso de un río, ... Son elementos visuales muy potentes que dan interés a la fotografía.







5 may. 2014

PLANOS FOTOGRÁFICOS



El término 'plano' es ampliamente usado en cine, y en fotografía obviamente, generalmente se habla de planos abiertos o cerrados, para indicar que estamos modificando de algún modo la distancia focal. El concepto de plano está estrechamente relacionado con el retrato fotográfico aunque en algunos casos es extrapolable a otras situaciones.



Plano General

En retrato, éste es el plano en el que aparece todo el cuerpo. Por tanto, tendremos un plano entero si a quien o quienes estamos fotografiando aparecen completos, desde los pies a la cabeza, sin secciones, en nuestra foto.
En el caso de la foto que hemos utilizado para el ejemplo, se aprecia cómo se ve el cuerpo del chico en bicicleta completo, sin ningún tipo de recorte.
Este es el plano más lejano que podemos tomar. A partir de aquí, veremos como nos podemos acercar en nuestros retratos.



Plano Entero
 
Los pies y la cabeza del cuerpo humano limitan con los bordes inferior y superior del cuadro de la imagen.




Plano Americano/Tres Cuartos

Dicen que el nombre de plano americano viene de los tiempos en los que triunfaban las películas del género Western o, como las llamaban, de indios y vaqueros. En estas películas era importante que las armas que llevaban los protagonistas en las cartucheras, a la cintura un poco caídas, se vieran suficientemente bien, y esto es lo que marcaba la línea de corte.
Algunos lo llaman también plano tres cuartos. 
El plano americano corta al protagonista aproximadamente a la altura de la rodilla o por el muslo. En función de si el protagonista está recostado o sentado, la tolerancia baja algo, llegando hasta un poco por debajo de las rodillas. 
Es ideal para encuadrar en la fotografía a varias personas interactuando.



Plano Medio

El plano medio cubre hasta la cintura, recogiendo la línea de corte entre el ombligo hasta casi la entrepierna. En caso de estar sentado el protagonista, la tolerancia baja hasta aproximadamente la mitad del muslo.
Este tipo de encuadre se suele utilizar para resaltar la belleza del cuerpo humano, por lo que es un tipo de plano muy utilizado en fotografía de moda.
También es adecuado para mostrar la realidad entre dos sujetos, como en el caso de las entrevistas.

 
Plano Medio Corto

El plano medio corto, también conocido como plano de busto o primer plano mayor, recoge el cuerpo desde la cabeza hasta la mitad del pecho.
Este plano nos permite aislar en la fotografía una sola figura dentro de un recuadro, descontextualizándola de su entorno para concentrar en ella la máxima atención.


Primer Plano

El Primer plano, también llamado primer plano menor o de retrato, recoge el rostro y los hombros.
Este tipo de plano, al igual que el plano detalle y el primerísimo primer plano que veremos a continuación, se corresponde con una distancia íntima, ya que sirve para mostrar confidencia e intimidad respecto al personaje.


Primerísimo Primer Plano

El Primerísimo primer plano capta el rostro desde la base del mentón hasta la punta de su cabeza.
 Con este tipo de encuadre, el primerísimo primer plano consigue también dotar de gran significado a la imagen.
  
Plano detalle

El Plano detalle en el retrato recoge una pequeña parte del cuerpo, que no necesariamente se tiene por qué corresponder con el rostro.

En esta parte se concentra la máxima capacidad expresiva, y los gestos se intensifican por la distancia mínima que existe entre la cámara y el protagonista, permitiendo enfatizar el detalle que deseamos resaltar.


Plano panorámico

Presenta el escenario en donde se desarrolla la acción. La figura humana está ausente o apenas se percibe. Posee un valor descriptivo y puede generar un tono dramático cuando se intenta destacar la soledad o la pequeñez de un objeto o persona en comparación con el entorno que la rodea.
 
  
Plano de conjunto

Se percibe un grupo de figuras en su totalidad. Presenta una relación entre los personajes. Por lo general hay varias figuras humanas.